Lorsque Hval a réalisé qu’elle devait à nouveau annuler un certain nombre de dates plus tôt cette année en raison de problèmes logistiques, le financement de l’État signifiait qu’elle pouvait se le permettre. “Il y a cette idée que lorsque vous êtes en tournée, c’est comme si vous étiez dans un film catastrophe – comme si chaque spectacle était votre dernier spectacle, et c’est la fin des temps”, a-t-elle déclaré à propos de l’état d’esprit typique d’une tournée. “Mais si vous allez vivre la fin des temps pendant 20 ans, vous allez juste mourir.”
“Les choses doivent être durables”, a ajouté Hval, notant que les artistes peuvent souvent se sentir obligés d’assumer trop de responsabilités envers les managers ou les promoteurs qui travaillent pour eux et gagnent un pourcentage. “Nous n’en parlons pas assez pour que les gens sachent même qu’il existe un moyen d’en faire moins et d’avoir une carrière plus saine et plus complète au lieu de seulement 10 ans de la fin des temps et de se retrouver ensuite sans travail pour le reste. de votre vie parce que vous avez choisi cela, ou avec des problèmes de dépendance ou de santé mentale qui s’accumulent parce que vous avez appris qu’ils devraient être invisibles jusqu’à ce que vous vous effondriez.
L’impératif moral du changement
Les problèmes plus larges concernant la musique et la santé mentale sont maintenant bien en vue, et ils exigent d’être confrontés. Les pouvoirs en place dans la musique – labels, managers, sociétés de promotion – devraient répondre à l’impératif moral de mettre des ressources plus immédiates à portée de main tout en rejoignant les luttes pour un changement systémique. Que ce soit par le biais de syndicats ou d’autres modèles, les efforts d’organisation continus des musiciens seront essentiels pour combler les discours fracturés et pour aider les artistes à découvrir les ressources qui sont actuellement à leur disposition.
Jeff Tweedy a exprimé l’espoir que l’industrie de la musique continuera à développer une plus grande conscience de la santé mentale, car la création est en soi un acte génératif. “L’art devrait modéliser une bonne stratégie pour la vie, une bonne stratégie pour les autres”, a déclaré Tweedy. “Il peut commenter l’obscurité sans l’embrasser complètement. Je veux que les gens se sentent libérés pour faire de l’art et pour promouvoir l’idée que c’est en fait une chose vraiment saine à faire. Tout le monde serait probablement un peu mieux s’il pouvait intentionnellement passer du temps avec son imagination.
Adrianne Lenker de Big Thief a fait écho à ce sentiment. “Dans le passé, j’ai reçu tellement d’éloges pour ma capacité à être cette machine”, déclare Lenker. «Mais je crois vraiment que, même si une carrière peut prospérer en prenant plus et en faisant plus, l’art prospère en ayant l’équilibre entre repos et en prenant soin de votre monde intérieur et de votre bien-être. Le repos est plus précieux que la productivité.
De son côté, Santigold veut encourager davantage de musiciens à parler des conditions insoutenables de leur travail et des répercussions physiques et psychologiques. “Il est important pour les artistes de sentir qu’ils peuvent être vulnérables, car cela devient alors quelque chose de relatable, et c’est ce dont nous avons besoin”, a-t-elle déclaré. “C’est un problème communautaire.”
Il y a un peu d’ironie dans la façon dont, au cours de l’été, Beyoncé a crié Santigold dans le remixer à “Break My Soul”, une chanson qui, à sa manière (contradictoire), encercle une sorte de récit sur les réalités écrasantes du travail et de la santé sous le capitalisme. “J’espère que les artistes de ce niveau n’ont pas peur de se joindre à cette conversation, car ils y sont les bienvenus”, a ajouté Santigold, après avoir consulté les paroles de la chanson. « La charge est trop lourde. Le taux de consommation de musique exige un style de vie implacable que les artistes ne peuvent pas suivre. Cela brise votre âme.
Elle espérait que les auditeurs verraient l’image complète. “C’est une situation dangereuse dans notre société où beaucoup de gens considèrent les artistes comme non humains et ne peuvent donc pas avoir de compassion pour [these issues]», a-t-elle poursuivi, « mais nous avons besoin que nos fans commencent à entendre les autres versions de ces histoires. » Dans l’ensemble, les artistes interviewés pour cette pièce avaient une demande unificatrice pour imaginer un avenir plus durable : être vus non pas comme des marchandises mais comme des êtres humains.