Les femmes artistes de couleur utilisent les textiles pour réécrire les histoires

Art

Ayanna Dozier

Avril Bey, Gilda Trinité2021. © Avril Bey. Courtoisie de l’artiste.

Le poète et érudit Eunsong Kim a décrit la nature de la construction d’archives pour les Noirs, les Autochtones et les personnes de couleur en Occident comme intrinsèquement lourde en raison de l’héritage historique des institutions euro-américaines abritant une culture volée à travers le monde. Son essai poétique de 2016 “FOUND, FOUND, FOUND: LIVED, LIVED, LIVED” souligne les façons conceptuelles dont les artistes de couleur se sont attaqués à la mémoire institutionnelle, aux archives et aux récits personnels pour réécrire leur histoire et leur héritage en Occident. Les textiles, en particulier, ont été un moyen pour les femmes artistes de couleur de tisser des récits anciens et nouveaux sur leur existence familiale et ancestrale.

Malgré cela, l’artisanat textile a été ostracisé du canon de l’histoire de l’art en raison de son association de longue date avec les pratiques des communautés de couleur. Des expositions comme « Making Knowing : Craft in Art, 1950–2019 » (2019–22) au Musée Whitney d’art américain ont spécifiquement abordé cet effacement historique et institutionnel tout en se réappropriant les pratiques artisanales d’artistes contemporains comme Liza Lou, Jordanie Nassaret Nick Cave. Mais moins a été écrit sur la façon dont les femmes artistes de couleur travaillant aujourd’hui ont contribué au domaine.

Artsy a parlé avec Bey d’avril, Natalia Nakazawaet Pauline Shaw— des artistes émergents naviguant dans le domaine de l’art textile contemporain et son statut de pionnier — pour discuter de leurs examens distincts de la façon dont l’histoire est intégrée dans chacun de leurs processus et négociée avec un public plus large à travers les institutions.

B. 1987, Bahamas. Vit et travaille à Los Angeles.

Portrait d’April Bey par J Meadows Photography. Courtoisie de l’artiste.

Dans ses tapisseries futuristes spéculatives autoproclamées, April Bey utilise des palettes de couleurs rehaussées et tamisées pour réfléchir à la construction et à l’existence de la diaspora noire – son peuple, sa culture et son histoire. Elle superpose du jacquard tissé, du sherpa, du satin et de la fausse fourrure avec de la peinture, de la résine et des paillettes, représentant la peau de ses sujets dans des tons non naturels sur un fond monochromatique ou fantastique, comme on le voit dans Continuez à agir drôlement, pour que je puisse être hilarant et Swag Colonial: Na Enjoyment (les deux 2022).

Ses portraits figuratifs, bien que réalistes, présentent une représentation étrange de la noirceur globale. Dans Le regret a été exprimé tout à l’heure (2021), Bey tisse un portrait fragmenté de feu la reine Elizabeth II – un monarque qui cherchait à défendre et à maintenir l’héritage impérial de la Grande-Bretagne, qui continue d’avoir un impact sur les nations des Caraïbes et d’Afrique à ce jour. Les portraits narratifs de Bey reconfigurent l’histoire de Blackness pour être attentifs à la fois aux activités banales et aux événements d’époque qui structurent son existence au sein des sociétés euro-américaines.

Alors que Bey est enthousiasmée par les possibilités passionnantes qui s’offrent à l’adoption de l’art textile par le monde de l’art au cours de la dernière décennie, elle est également consciente du poids patriarcal historique qui enveloppe la pratique en tant que travail de femmes. “Historiquement, il y a une perception que, parce que les femmes se sont vu refuser un accès facile à l’université, quand [domestic labor] est impliqué, leur travail n’a pas de valeur intellectuelle », a-t-elle déclaré. “La couture et les textiles, le tissage et les disciplines artisanales ont tendance à porter une nature féminine qui a été considérée comme maternelle et donc pas aussi intellectuelle ou sérieuse que le peintre loué.”

Le travail de Bey intègre souvent une hyper-féminité enracinée dans la production culturelle de la femme noire exprimée à travers les cheveux, les ongles et le style. Son attention envers une performance de la féminité noire des Caraïbes et des Amériques reconnaît non seulement le médium textile comme le mieux adapté pour visualiser ces récits, mais approfondit également les appréciations de la femme noire et de la culture queer chez ses spectateurs.

B. 1982, East Elmhurst, New York. Vit et travaille à New York.

Portrait de Natalia Nakazawa, 2022. Avec l’aimable autorisation de l’artiste

Si les pratiques textiles des femmes artistes font l’objet d’un regain d’attention, la profondeur du champ n’est pas encore reconnue pour sa capacité à redresser l’histoire. “Peut-être simplement parce que c’est un matériau si familier et “domestique”, les gens ne se rendent pas compte à quel point il est radical d’accrocher un morceau de tissu ou de textile au mur ou au sol, suspendu au plafond”, a déclaré Natalia. Nakazawa. “Mon espoir est que les textiles en tant que matériau doux et autodéterminé s’infiltrent dans la psyché des institutions qui montrent ce travail.”

Dans la pratique de Nakazawa, les textiles sont un outil littéral pour tisser ensemble des histoires disparates, à la fois ancestrales et canoniques. Pour sa série de tapisseries en cours “Obtraits” (2019-présent), elle puise dans les archives en ligne de peintures et de sculptures non européennes de grands musées. Doté d’une constellation de symboles et de marqueurs culturels, Langage des oiseaux (2020), une tapisserie jacquard agrémentée dans le bas de plumes de coq, représente deux personnages non identifiables marchant dans une pièce surréaliste. La pièce elle-même, comme la série, considère l’identité de manière ambiguë afin d’aborder une histoire partagée plus longue et plus large de la transnationalité qui façonne la vie de l’artiste et celle de nombreuses personnes de couleur.

Natalia Nakazawa, Nos histoires de migration, 2018. Photo d’Etienne Frossard. © Natalia Nakazawa. Courtoisie de l’artiste.

“Mon éducation en tant qu’artiste a vraiment commencé sous la direction tranquille de… mes grands-mères des côtés japonais et uruguayen de la famille”, a déclaré Nakazawa. “Regarder et comprendre le monde en plusieurs langues [and] perspectives… il est logique pour moi que les matériaux de notre vie quotidienne soient peut-être les matériaux les plus radicaux que nous puissions utiliser pour parler de « nous ». C’est ainsi que j’ai commencé à utiliser des textiles, car je voulais commencer à centrer la conversation sur les matériaux qui signifiaient le plus ma famille.

Pour Nakazawa, son choix de médium et de matériau est compliqué car la valeur culturelle de l’artisanat est si souvent liée à la performance de l’authenticité culturelle. “Les artisans agissent comme des conduits vivants pour les pratiques perdues et servent de conteurs et de connecteurs à une époque plus simple de la société”, a-t-elle expliqué. « Utilisant des techniques devenues « obsolètes » dans le monde moderne, l’artisanat peut être un moyen actif de conserver l’identité, en particulier pour les populations autochtones qui souhaitent continuer à pratiquer leur propre identité. »

B. 1988, Kirkland, Washington. Vit et travaille à New York.

Le travail de Pauline Shaw s’attaque à la mémoire personnelle et à la façon dont elle affecte et recoupe des archives temporelles plus larges, comme l’histoire institutionnelle. Elle combine la laine feutrée avec la soie, le bambou et la viscose pour créer des tapisseries sculpturales abstraites qui reflètent la tension de l’autodétermination dans un monde en proie à l’effacement. Informées par des scans IRM du cerveau de l’artiste, les pièces de Shaw soulèvent la question de savoir comment les perceptions institutionnelles de sa propre culture peuvent modifier la perception de soi.

S’engageant dans l’histoire et la mythologie de ses matériaux, Shaw ajoute ses propres récits et sa mémoire personnelle. Avec de nombreuses histoires d’origine, le feutre a longtemps été considéré comme le plus ancien textile connu. Un conte préféré de Shaw est la parabole biblique de Joseph, qui utilisait la laine de ses moutons pour rembourrer ses sandales en marchant vers le marché. Dans l’histoire, le frottement de ses pieds a transformé la laine en feutre. En fin de compte, l’intérêt de Shaw pour le travail de la laine est littéralement biblique.

Elle compare le processus de création de ses textiles au travail d’une aide-soignante, déclarant que sa propre expérience en tant qu’enfant de première génération d’immigrants taïwanais l’a amenée à intérioriser l’intensité de travail de sa pratique en tant que marqueur de bon travail et de réussite. Et tandis que l’attention récente dirigée vers l’art textile semble affirmer, Shaw a noté, à l’instar de Bey et Nakazawa, que les cadres canoniques du travail et du processus attribués à la sculpture et à la peinture n’ont pas été étendus à l’artisanat. Elle espère qu’avec des expositions comme Hauser & Wirthl’exposition collective itinérante deLe nouveau virage», organisé par Legacy Russell, un plus grand nombre de publics comprendront le rôle important que les matériaux peuvent jouer dans le déballage de l’approche et du travail d’un artiste dans son ensemble.

Ayanna Dozier

Ayanna Dozier est la rédactrice d’Artsy.

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