“Le hip-hop était ce mouvement de personnes qui n’étaient pas considérées comme précieuses pour créer de la valeur”, a déclaré Sacha Jenkins, directeur de la création du magazine Mass Appeal et co-commissaire d’une nouvelle exposition de grande envergure.
Célébrant le 50e anniversaire du hip-hop, Fotografiska New York présente plus de 200 photos couvrant les cinq décennies de la culture, organisées par Jenkins et Sally Berman, ancienne directrice de la photographie pour Mass Appeal. En plus de l’exposition elle-même, qui se déroule jusqu’au 21 mai, Fotografiska propose également une programmation événementielle, comprenant une conférence des conservateurs, des tables rondes, des projections de films et même un atelier de danse.
L’exposition semble aussi vaste qu’énergique, capturant l’excitation derrière d’innombrables moments emblématiques de l’histoire du hip-hop, depuis l’image de couverture Village Voice de 1981 de Frosty Freeze – un moment majeur dans l’émergence du breakdance – jusqu’à Nas et DJ. Première conférence lors de l’enregistrement de l’album révolutionnaire Illmatic, à des superstars contemporaines comme XXXTentacion.
Émergeant des fêtes de quartier dans le Bronx au début des années 1970, la culture hip-hop a laissé sa marque unique sur le monde en voyant le potentiel de transformation des objets du quotidien. “Quelque chose comme la peinture en aérosol est passé d’un outil à un véritable instrument”, a déclaré Jenkins. « Même chose avec les platines. Le hip-hop en a fait des instruments. Ces enfants l’ont fait eux-mêmes, et en le faisant eux-mêmes, ils ont fait ces grandes innovations. Maintenant, une platine est un instrument comme vous verriez une guitare. »
À juste titre, Jenkins et Berman nous plongent dans l’histoire du hip-hop, le montrant avant tout comme un mouvement populaire. Les premières images comme la photo de Jean-Pierre Laffont en 1972 montrant des membres du gang Savage Skulls passant du temps en famille montraient le hip-hop comme un phénomène de personnes à la recherche de plaisir et de communauté. “Avant qu’il y ait une industrie du rap, il n’y avait que des enfants, juste des gens”, a déclaré Jenkins. “Quand je suis arrivé dans le Queens en 1977, il y avait tout ce qui se passait, du breakdance, de la musique dans le parc. C’est exactement ce que nous avons fait. Tout cela était fait par des enfants, pour des enfants avant qu’il y ait une industrie. Personne n’aspirait à sortir des albums qui inspireraient les gens à Singapour. À l’origine, le MC était le gars au micro qui vous disait que votre voiture était garée en double et pouvait être remorquée.
Alors que les premières photos ont le plus souvent l’air d’une photographie de rue de style documentaire, capturant la culture hip-hop in situ, autour des années 90, les choses changent. La photo de A Tribe Called Quest de Janette Beckman en 1990 semble parfaitement équilibrée à ce point de basculement – est-ce une scène de rue d’un groupe de hip-hop en plein essor, ou est-ce un exercice d’identité soigneusement construit et financé par une maison de disques -imeuble? Des clichés ultérieurs, comme l’image de Shawn Mortensen en 1993 de Tupac dans une camisole de force, le célèbre cliché de 1994 de The Notorious BIG en train de fumer un joint de Geoffroy de Boismenu, ou la photo de Christian Witkin en 1998 de Missy Elliott jouant avec bonheur avec son chewing-gum ont clairement franchi une ligne. Au moment où nous atteignons les années 2000, les photos sont encore plus élaborées, les vêtements et les accessoires beaucoup plus chers, et les identités toutes plus grandes et plus sophistiquées.
La musique rap est de loin la plus connue des quatre éléments de la culture hip-hop, et sans surprise, les MC dominent la collection. L’émission présente de nombreux acteurs majeurs du rap, des premiers grands noms aux stars modernes comme Megan Thee Stallion, Tyler, le créateur et Post Malone. Notamment, Jenkins et Berman se sont efforcés de trouver des photos qui montrent des facettes particulières de personnalités du rap bien connues. Par exemple, Jay-Z est représenté via une séance photo Chris Buck de 1998 pour le magazine Blaze, construite autour de la question de savoir quelle aurait été la vie du magnat du rap s’il n’avait jamais réussi à sortir des Marcy Projects. Une Mary J Blige presque méconnaissable est vue sur la photo de Lisa Leone en 1991, le produit d’une rencontre fortuite peu de temps après que l’artiste ait signé son premier contrat d’enregistrement. Des photos comme celles-ci offrent fraîcheur et intrigue, même pour ceux qui connaissent la musique rap de fond en comble.
Un autre aspect notable du spectacle est une tentative de mettre en valeur les femmes qui ont fait leur marque dans une forme d’art extrêmement dominée par les hommes et souvent objectivante. Les femmes présentées dans l’émission ont tendance à se présenter comme puissantes et en possession de leur corps et de leur identité, ce qui n’est souvent pas le cas en matière de musique rap. “Nous étions très soucieux de nous assurer que les femmes étaient représentées dans l’émission, car le hip-hop n’existerait pas s’il n’y avait pas de femmes”, a déclaré Jenkins. “Malheureusement, si vous ne regardiez que l’industrie du rap, vous penseriez que les femmes ne sont qu’un régal pour les yeux dans les clips, ce qui n’est pas le cas. J’aimerais qu’il y ait plus de femmes dans cette émission, mais honnêtement, c’est le reflet de l’industrie du rap.
Au final, il y a quelque chose de réconfortant à pouvoir embrasser d’un coup 50 ans d’émergence et de transformation du hip-hop, en nous offrant l’opportunité de prendre du recul, de faire le point et de faire le point. Ce qui ressort, ce sont les lignes de force de la culture, les choses qui restent encore présentes et importantes alors même que le déluge d’argent des entreprises et le complexe médiatique et industriel absorbent le hip-hop et tentent de le transformer selon leurs propres prérogatives. On note également comment la férocité transgressive d’individus comme le Dr Dre et Snoop Dogg posant – avec des armes pointées vers la caméra ou vers eux-mêmes – se transforme en une relation plus compliquée avec les forces qui cherchent à les contenir et à les définir alors que la musique rap devient de plus en plus grand public et marchandisé.
Mais même si l’exposition réfléchit sur les systèmes mondiaux et les idées abstraites, elle reste toujours ancrée dans l’humain – ce n’est clairement pas un hasard si l’exposition se concentre autant sur le portrait et sur ce qu’elle peut nous montrer sur l’identité individuelle et les influences culturelles qui la sous-tendent. Pour Jenkins, la chose la plus importante à propos de son exposition sont les gens et la communauté qui sous-tendent la culture hip-hop. “En fin de compte, je crois que lorsqu’il s’agit de musique noire en Amérique, il n’y a pas de genres”, a-t-il déclaré. «Le genre hip-hop n’est qu’un horodatage de 1973 à aujourd’hui de l’endroit où la musique noire est créée, emmenée de la rue vers une culture de masse de personnes qui ne sont pas noires. Je veux que les gens partent en comprenant que le hip-hop est le reflet des gens. Le hip-hop, ce sont les gens.